Copenhagen

Thirteen Senses乐队成员四人都来自英格兰的Cornwall, Will South是乐队的主唱，同时负责部分吉他和键盘的演奏，Tom Welham为乐队的吉他手，另外两名是bass手Adam Wilson和鼓手Brendon James。四人在学院结识后组建了Thirteen Senses,初期主要是在英格兰的西南部做一些小的演出。2003年12月，Thirteen Senses进驻伦敦，开始了真正意义的乐队生涯。2004年的3月乐队发表他们的首张单曲《Thru The Glass》(05年的一月这张单曲再版发行)。之后第二张单曲唱片《Do No Wrong》的发表可以算作成功的后继，但第三张单曲唱片《Into The Fire》的发表才算是为Thirteen Senses的发展彻底铺平了道路。《Into The Fire》也成为Thirteen Senses目前最红的热门单曲。紧随其后正式发表的专辑《The Invitation》虽然已有大部分作品提前在单曲唱片中曝光，使专辑缺乏神秘感，但在12首曲目中，除了提到的《Into The Fire》一气呵成以及《Thru The Glass》跌宕起伏外，《Gone》里的假声漂亮而经典，《The Salt Wound Routine》中的钢琴理性而认真。

Thirteen Senses温暖剔透的吉他很容易让人想起Travis或Coldplay这样的英伦吉他流行团，或者也很容易让人拿Keane 与之比较，音乐性上，同为配器简单旋律动听的英伦新团，Keane的歌唱本领更好一些，旋律也比Thirteen略高一筹，但我以为，听惯的英伦音乐的人似乎对吉他的兴趣要远比钢琴多，其实这也很好理解，就好比作得一手极品川菜的厨子却用不上正宗的上等辣椒一样，再怎么努力也总是无法满足一部分人的审美。Thirteen Senses能够做到也恰好是满足这一部分人。如果非要让Thirteen Senses跟keane扯上些关系的话，那么在跟Keane处于同期内的乐队就该算是Thirteen Senses最大的不幸了，他们的音乐在某些取向上实在太Keane了。而两者唯一的共同点应该就是长得都不如英伦前辈们尖吧。 Thirteen Senses在吉他方面的表现仍旧会让人觉得他们是一支不折不扣的吉他乐队。虽说他们的歌曲不那么流行，但绝对悦耳清新，也因少有过于易记的旋律反而会令人在听觉上不容易疲劳。相比Keane的过耳不忘来，Thirteen Senses更耐听。主唱的歌声会令我想起那队不太有建树的geneva来，英国腔调在indie乐迷来说，无论唱成什么样都会觉得亲切，更何况Thirteen Senses的歌声那么单纯清澈。音乐中松弛的节奏，悠扬美艳的吉他，绝对不容indie乐迷错过。Thirteen Senses的歌声并不象Keane那般惊艳，反而会令人平均地注意到整体乐队的表现，每次聆听都会被新的细节感动。要说有些作品也不失波澜壮阔的感觉，只是没有表现的那么嚣张，而是更多内敛。顺便说一句，Thirteen Senses的主唱也是一张娃娃脸，太多与Keane的相似之处，难免我的朋友会那么介绍他们了。他们的不同，自有听者去品味。

 

Grave Dancer's Union 

1. Somebody to Shove
2. Black Gold
3. Runaway Train
4. Keep It Up
5. Homesick
6. Get on Out
7. New World
8. April Fool
9. Without a Trace
10. Growing into You
11. 99%
12. Sun Maid 

这支成立于1983年的另类摇滚乐队，成立时乐队奠定的风格是暴躁的朋克和硬摇滚风格，在当时美国众多的此类型地下乐队中并没有脱颖而出，乐队的几张专辑也并没有引起怎样的轰动，由于长期排练和演出中巨大声响的侵害，主音吉他兼主唱David Pirner〔大卫.皮尔纳〕的耳朵失聪了，然而即使如此，他也并没有放弃对音乐的执著追求，而且因祸得福，他们开始排练一些原声的作品，却取得了无以伦比的成功。

1992年，他们推出的一张专辑【Grave Dancers Union】，一张深沉而不失柔情的原声专辑刚一登榜就引起了从乐评者到普通乐迷的巨大惊喜，专辑中的很多作品都是经典之作，而《runaway train》〔迷失列车〕更成为世界级的摇滚经典。在乐队随后的专辑中仍坚持了此张专辑奠定的音乐风格，乐队的歌迷和专辑销量与日俱增，外型英俊的乐队的灵魂人物皮尔纳甚至成为了美国九十年代的另类偶像。
 

The Silver Lining  

1. Stand Up And Be Strong
2. Lately
3. Crazy Mixed Up World
4. All Is Well
5. Bus Named Desire
6. Watcha Need
7. Standing Water
8. Success Is Not So Sweet
9. The Great Exaggerator
10. Oxygen
11. Good For You
12. Slowly Rising

Soul Asylum的经典歌曲是那首《Runaway train》，一首被人们称为顶梁之作。快8年的时间，Soul Asylum（灵魂收容所）终于带来了新的专辑，之前虽然有发行一些精选辑，但是这与上张正式的录音专辑实在相隔的时间太长，让人不得不期待。而我是在几年前才认识这只柔情乐队，说到柔情乐队，对于Soul Asylum来说，是现代作品的形容，要说到Soul Asylum在出道时他们的风格则是与次天与地的差别，Soul Asylum在1983年组建，选择的是垃圾朋克和硬摇滚的风格，而且在为当时美国众多地下乐队之一的Soul Asylum并没有获得好的成绩，当初的风格当然也会有美国地下摇滚的风格American Underground，发行了俩张专辑，他们的影响力仍然不怎么样，直到乐队的主唱David Pirner，耳朵出现些问题，听力明显下降，导致乐队开始尝试些较轻的原声音乐，可以说是因祸得福吧，乐队从次开始的成绩是越来越好，当然就出现了我前面说的顶梁之作《Runaway train》。这张新专辑的风格我认为是一张柔情摇滚专辑，嘈杂的喊声，重重的乐器声，将不出现与新专辑《The Silver Lining》，专辑的制作中加入了Sting，Usher,Janet Jackson这些才华的人制作。而且这张专辑的纪念意义很重，收录了去年六月因喉癌去世的贝斯手卡尔·穆勒(Karl Mueller)的最后的录音。专辑的先行单曲Stand up and be strong，绝对是一首抒情摇滚，很清脆的乐器声，显得歌曲很明朗，很积极。相同的还有Standing water，略带些伤感的色彩。专辑中还有些类似流行摇滚的歌曲，剔除了硬摇的风格。

 

Billie Holiday —比莉·荷莉戴
　　原名 Eleanora Harris 原名：埃莉诺拉·哈里斯
　　出生 1915年4月7日生于美国马里兰州巴尔的摩
　　逝世 1959年7月17日死于纽约州纽约
　　活跃年份 30s 40s 50s
　　绰号 戴女士
　　主要音乐风格 Vocal Jazz, Traditional Pop, Swing, Ballads, Classic Female Blues
　　
　　Billie Holiday这位爵士乐金嗓子一直是某种艺术层次升华的象征。她的歌声散发一种自然的妩媚，以及令人感官兴奋的原动特质，有时候甚至可以凌驾其他乐器所不能达到的理想境界。事实上，她的嗓音正是器乐追求吹唱性演绎的最终目标—旋律感性、诠释不拘泥。
　　Billie Holiday早年的境遇和蓝调歌后Bessie Smith极为接近。二人刚开始的酬劳可说是如同被奴役一般的可怜，稍有知名度以后却又饱受肤色困扰，尤以歌唱中途被蓄意嘲弄最常见。Billie小时候以Bessie Smith和Louis Armstrong二人的唱片当作老师，她不仅习得蓝调苦尽甘来的凄沧音色，连Louis Armstrong的饱满号音也被运用在她的演唱中。往后，加上许多生活历练，Billie的诠释毫无疑问地就是经典的经例。


　　以三十年代末期为例，这时正值Billie的黄金岁月一首接着一首的经典歌曲经由她口中娓娓道出。“Strang Fruit”，“Travelin Light”和“Carelessly”等旋律，似乎就是当年的流行金曲。除此之外，许多被忽略的好作品，只要经她一唱，歌曲立即泛出金银般的光彩而倍受瞩目。名作词家兼歌手Johnny Mercer在听过她的演唱后，曾赞不绝口地说：“当她轻声唱着，仿佛引人伸出一种爱怜的援手…”，因此John的许多歌曲如“Come Rain Or Come Shine”， “One For My Baby”和“Tavelin’ Light”等，也都先后成为流传至今的旷世杰作。
　　根据Billie Holiday本人表示，她不仅视人声和乐器具有同质的表现美感，甚至也在两者之间找出折衷的即兴风采。如此的融汇璧合后，任何一首平庸之作也可以升华为高傲完美的艺术精品。另一件极为特别的事，就是Billie和萨克斯风手Lester Young的特殊关系。在音乐理念上，Lester的拖曳慢调音色间接影响了Billie在处理歌曲时的细腻情感。尤其二人合作时互补作用，几乎填满了音符的空隙，使得乐曲听起来不致于那么松散。五十年代，摇滚和流行乐日渐取代成人音乐地位，许多歌星也纷纷改弦易辙，唯有BilleHoliday不受潮流波及而改变。当您倾心听着优美的歌声，还留恋著前一首歌的温柔时，乐声再起由她徐徐注入的深情，又立即唤醒聆听者不该有的怠慢。

01 Caught in the Groove                           
02 Empty Universe                                 
03 Treading the Water                             
04 Once in A Blue Moon                           
05 This Truth                                    
06 Motherless Child                              
07 Sundrenched                                    
08 Nocturnal Daze                                 
09 Lovelight                                      
10 Lazy Love Days

Lovespirals最初成立于1998年，它的前身就是Love spirals Downwards.原主唱suzanne perry离去后，Ryan Lum找到了另一个新主唱Anji Bee,并吸收了Frescoe乐队的Saxophone乐手Doron Orenstein入队，Loves pirals Downwards也从此更名为Lovespirals。

Anji Bee的声音轻柔又带点异域风情，和很多年轻的爵士女歌手都有着醇酒版的嗓音，Ryan Lum精致明快的吉他，旋律优美动听，非常具有JAZZ的温柔旖旎，带着夜色的慵懒与迷醉。

Tamas Wells既是团名也是其中主唱的名字。这支来自澳洲墨尔本的indie-pop乐团从澳大利亚开始了自己的音乐事业，给整个澳洲乐坛带来了不小的情感冲击，通过他的第1张唱片《a mark on the pane》让他们在美国,英国,乃至日本也都有了属于他们的听众，可以说他们的音乐有种打动人心的魅力。新专辑《A Plea en Vendredi 》也是相当精彩动听！美丽的山水音乐,带着感情的简单舒缓的旋律和轻柔醉人的嗓音，让人体会这一份充满春天气息的温馨，如沐春风

 I Can Make a Mess Like Nobody's Business专辑名也是乐队名

有点民谣有点独立有点流行还有点后摇。整张专集的所有曲目都是通过一部电影的对话来衔接在一起。几乎没有明显的独立曲目的区分。有一气呵成的意思。配乐也是时而轻快时而轰鸣，很有后摇的气势。

Sophie Zelmani   喜爱王菲的人对她也许不会陌生。王菲的一首“乘客”便来自于她的“going home".

    从1995年开始，来自瑞典这个北方国度的甜美清新邻家女孩Sophie Zelmani苏菲珊曼妮，便以生活化、发自内心真诚的诗意词句，简单乾净透澈却能直接触摸隐藏在心灵深处纤纤情感的音乐，而征服了瑞典、欧陆甚至亚洲的广大歌迷。Sophie的音乐之所以能像她的人一样，情感纤细、纯净亲切而动人，那是因为她的歌直接纪录了她的成长心路历程。 她的作品彷佛用音乐来回忆着过去那些在情感正要愈合，然而一旦触碰到还是会带来疼痛的伤口，那沁凉萧瑟绝美的意境，就是这麽让人愈听愈沉醉其中而难以自拔。  
有人是这麼描述Sophie Zelmani的音乐的：清脆的吉他合弦衬托着温暖甜美的歌声，恰如其分不喧宾夺主的鼓与贝斯，陪衬上彷如远方传来的萨克司风及逐渐贴近的长笛或小提琴悠扬旋律，传递出彷佛在冷飕飕的秋天夜晚漫步走在瑞典已然结霜的路上。夏天听这种空灵的声音，就像含着一颗清凉的薄荷糖。吃完了再喝一口水，那种清爽一直渗入心底
Sophie Zelmani，来自瑞典的乡村民谣女歌手，她的音乐旋律简单清澈，很容易触动人心.而歌词也非常生活化，态度很诚恳。看来北欧真得很盛产这种类型的天籁女声^^
不多说了，让音乐来说话~ 
 繼精選大碟《A Decade Of Dreams》後，Sophie再度像個摯友般分享情感與心情變化，以清新吉他合弦托著溫暖甜美歌聲獻上《Memory Loves You》全新大碟，開場曲[Wait For Cry]編織出柔和清澈且甜而不膩的歌聲質感；同名單曲[Memory Loves You]沉浸在吉他與鋼琴的柔和對談下，用音樂回憶過往以及情傷的癒合；恬適鄉村民謠味的[Broken Sunny Day]穿透出一股微疼傷痛，令人聽畢仍沉浸在情緒中，久久無法回神；明亮吉他播弦引出的[Traveling]配入Sophie隨性吟唱式的嗓音，散發為之著迷的無比魔力。一貫的清新純樸，沒有複雜響音綴飾，十餘年歲月逝去，Sophie仍如鄰家女孩般 ，帶來最貼近你心的無比感動音符。

Mechanical Animals唱片封面，外星人造形，华丽妖艳。这个时期的Marilyn Manson无论在音乐或外型上也有了改变。与Antichrist Superstar时期的他们相比，乐队的音乐取经自七十年代的华丽摇滚，主音亦曾经表示这个时期的Marilyn Manson是仿效七十年代最当时得令的华丽摇滚代表人物 大卫·鲍伊。

在专辑Mechanical Animals里Marilyn Manson以雌雄同体的外星人造形示人。主音表示Mechanical Animals是一张比以往更具旋律性的专辑，与以前的作品相比这张专辑更具流行性及触及电子音乐的版图。但题材涉及毒品（Track.9:Don't Like The Drugs (But The Drugs Like Me)及前卫暴露的专辑封面及平面广告使得Mechanical Animals被全美大型卖场及媒体一致抵制。不过讽刺的是，大碟一经推出，即登美国大碟榜榜首，销量数字更是可观。这个时期的乐队成员在外型上倾向中性，衣著华丽，没有明确的性别界限。

 

Nebelung  德国新暗潮民谣

每个夜晚和清晨，在灵魂感受静谧的时候，耳朵里不停地重复整张专辑，Thomas时而低沉灰暗时而温婉明亮的木吉他，渲染着浓重的森林色彩，潮湿古朴而寂静的大自然里有斑驳阳光散落。

从第一曲的《Die Roder》开始就恣意地游牧在慵懒的边缘，第二曲《Hoffnung》就顿时轻盈起来，而到了《Sturm》又略微激进，旋律的跳跃随着情绪的晦明晦暗深刻地表现出来，后两者更是在结尾处流逝出一道悠扬悦耳的风琴和小提琴，升华了内在的情愫。而《Die Roder》和《Sturm》清朗有力的吉他尤为让人情绪亢奋。可以说，Nebelung的编曲和旋律是非常纯粹的情感内在抒情，而不是生涩的乐器技巧或者虚无的华衣。有评论说，这种音乐与情感乃至与歌词的深度交融是许多民谣团所无法比拟的。

一场奢华至极的摇滚演出、一次天花乱坠的视听盛宴。Pink floyd把摇滚乐的艺术气质发挥到了极至。

本人最喜欢的乐队之一

the sun and the moon, the light and the dark, the good and the bad, the life force as opposed to the death force

                   ——— Roger Waters 评论《月之背影》

"The Dark Side of the Moon"做为Pink Floyd发布的第9部专辑。
整部专辑被看成一首完整的曲目而不是专辑里所有歌曲的简单集合。
它似乎是主要针对转瞬即逝且充满罪恶的人类生命, 这也是摇滚乐中最常见的主题素材。
《Breathe》中描述到“象兔子般挖一个个的洞使自己活的长久”，表达了一种自闭，无助的心态。
《Time》则表现的是对光阴虚度的追悔和对故乡的眷恋，歌中这段歌词相当富有哲理“你跑呀跑，与太阳并驾齐驱，它落山了，跑了一个来回，又出现在你身后，太阳在对应的方式里是相同的，不过你却渐渐衰老，呼吸短促，离死亡的日子越来越近”。《Money》则鞭策了金钱至上的思想，歌中唱到“金钱是毒气，是种罪恶，是一切魔鬼的成因”。
《Us And Them》是全碟旋律最优美的一首歌，歌词虽简单但内涵却很深奥，其深刻地提出了反战宣言“你我都是普通人，
只有上帝知道我们会怎样选择命运。
是在后方哭泣？还是在前线阵亡？昏暗之中，谁又知道我是谁？
沮丧之时，谁会给我援助？”。
《Brain Damage》中通过讲述了一个“精神病患者”与众不同的行为，借以讽刺那些所谓的“正常人”。
这个实际清醒的人为世俗所不容，只能在“月之背影”才能看见他，这是整张唱片的精神所在。
最后的结束曲《Eclipse》在罗列了一大堆普通人经历过的事情后却在结尾说到“每件事情在太阳下谐和一致，但太阳却被月亮遮蔽了”，表达出一种苍凉的哀愁和无奈。

Wonderful Tonight             这是他刚刚开始个人发展时创作的作品，歌曲的旋律淡雅流畅，娓娓道来的演唱传达着一种感动。歌曲讲述了一对夫妇出席晚宴前后的故事，从出门之前的选衣服挑首饰、到晚宴路上的紧张与期盼的矛盾以及夜里到家之后的回味无穷。整个歌词看下来，能让所有处在二人世界的情侣感觉到一种潜在的幸福

Layla               这是Eric Clapton最经典的一首Blues作品，创作于70年代初。1970年的时候，Clapton帮着前Beatles的吉他手George Harrison录制他的个人专辑《All Things Must Pass》，可他录音的时候不老实，一不小心爱上了George Harrison的妻子Patti Harrison，最后Clapton在和Harrison单挑中失败，从此一蹶不振，开始吸毒。在此期间，他每天无所事事，就是拿着一把吉他在那儿瞎弹，弹着弹着，就弹出了这首经典的《Layla》。歌词当中的“在我最终进入疯人院之前，让我们努力去创造最好的氛围；别说我们永远没有出路，也别说我们的爱情终将枉然”就是他当时心情与状态的真实写照。

Tears In Heaven           这是一首对爱子充满伤感情调的哀歌。他在歌中唱道：“你还会记得我吗？假如在天堂相遇。一切是否还会依旧？加入在天堂重逢。跨过这道门槛，我明白那里充满宁静，我还知道在天堂里没有眼泪。”他以自如和缓的木吉他伴奏和压抑如泣的低吟将他痛失爱子的心情表现得淋漓尽致

 

现实被及时地忘记 人在幻觉中变得强大
---很久以前看过的一篇文

生活在黑暗和恐惧里
失去对生活的热情
以透支的方式享乐
极尽奢侈
习惯了黑暗
懒得挪动到阳光下
这样

摇滚是一种诅咒 它吸引很人走向自我毁灭和死亡

 20世纪的摇滚偶像，最非凡的天才The End，Not to Touch the Earth，Light My Fire，Hyacinth House等令一代代青年迷醉，他在巴黎拉雪兹神父墓地的墓碑雕像，已成为流行文化的朝圣之所。他叫吉姆·莫里森，他的乐队名为“大门”，他死于27岁。

压抑昏暗  ……在幻觉中迷失

 

 

         …… 想去旅行


带上帐篷，吊床和手电筒…… 以及可以听歌的任何东西
听艾林顿公爵和CocoRosie ……              

                     

 法国的Indie乐队CocoRosie  自恋而沉溺， 可爱中带着一种神经质的忧伤，飘渺不定

够诡异悠扬，几乎没有打击乐器，单调重复的吉他和弦、漫不经心地吹笛子、弹钢琴、并混入对链条、家禽、玩具的采样，和声鬼魅，这种音乐没有什么现代人的特征，虽然是现代人的技术，但两个姐妹的喜好和心劲更像来自远古时代，给人一种超越时空的避世感，不过避世但不自闭，他们的音乐中的想象力又十分开阔，而旋律又好听温暖。让人仿似置身于诡异悠扬的旋律下遗世独立的童话世界。尖顶的木屋，沸腾的水壶，童年的玩具钢琴叮咚作响；猫咪咽呜的声音和远处牲畜的嘶鸣；雨后的下午，虫鸣蛙叫，阴暗的屋内隐隐的私语。时空交错般的避世感。女声的表现充满可爱的童稚，闷响般的呓语，呢喃拖沓。

在Beautiful Boyz中，与Antony颤抖的男声一同演绎的女声，在高音部分气声的表现上，又与Bjork惊人的相似。甚至是在Honey Or Tar中，这把女声又迅速地褪去乖戾的外衣融入了灵乐的演唱风格之中，表现出了如Erykah Badu般的抑扬婉转。而在诸如South 2nd和Noah's Ark这样融合了Jazz基调的曲目里，另一位成员的女声演绎，表现出的更多的是深受Billie Holiday等爵士女伶影响的演唱风格。
正如Indie是音乐人对于音乐创作的态度一样，换个角度来看，它同样也是听音乐的人对于音乐的取舍态度。《Noah's Ark》或许并不切合你对Indie音乐的喜好口味。但CocoRosie独特的音乐风格的意义在于，它让我们意识到，简约的旋律架构同样也能承载起饱满而丰富的音乐表现能力。《Noah's Ark》构筑起的，是一个荒凉空旷而又错落有致的童话奇境，看似恬静却又暗流四伏。CocoRosie两女妖的挪亚方舟，与圣经福音书无甚相关，实则是另一方奇幻童话般的避世乐园。

to be no more the same... 
From far beyond the veil of sleep some tune, 
ne'er before heard, is trav'lling on a fragile breath,  
to shake my frozen world. 

.

在一个地方安静死亡

高高得悬浮在一千米的高空中，
他说：他曾被钉死在苦难的天空的下面。

Sopor Aeternus[永恒沉睡]（1999）--《Dead lovers’Sarabande (Face Two)》
双CD“Dead Lovers＇ Sarabande”重新恢复了最初的阴暗风格，这张专辑主要是为了向Christian Death的灵魂Rozz Williams致意并默哀，，除了第一首重新演绎了同样来自德国的Nico作品"Abschied"外，第三首"The House is Empty Now"中短促而重复的提琴拉弦，和升降交错出现的主奏提琴声，不禁让人联想到英国极微主义配乐大师Michael Nyman，的确，全世界也只有他有如此的风格。在这首歌中，Varney加入了清脆的木琴声，像教堂里透明的镶嵌玻璃或是祭台上的烛光一样，巧妙的在原来极具情绪性的旋律上，洒下圣洁的灵光。

从某种意义上讲，Anna-Varney进行音乐创作也是一种“自救”，音乐作为 一种逃避现实、逃避痛苦的工具，已经成为Anna-Varney生命的一部分。他的歌词通常很难被听众理解，也是这个原因，使得Sopor只是从表面上被大众接受， 而音乐到底讲的是什么以及音乐后面的悲剧故事则鲜为人知。他在一次采访中说： “我没有解释歌词含义的习惯——甚至我根本不想解释。。。虽然我希望我可以 通过音乐来让人们勇于面对真正的自我，或者更深地了解自己的内心，通过这些 暗示让他们明白真实的世界，或者释放被压抑的精神世界。然而那不可能，因为 人们总是自以为是，他们永远无法摆脱在他们脑中根深蒂固的传统思想。”

出卖灵魂所唱出的绝望之声出卖灵魂所唱出的绝望之声